Phantom Thread: la insólita geografía del corazón

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El amor carece de barreras para expresarse y desconoce límites a la hora de ligar seres humanos que aparentemente son invinculables. Todas las relaciones son como un iceberg: los demás solo ven un mínimo porciento y bajo el mar queda la pura verdad que lo devora o sostiene. Phantom Thread viene a añadir que en temas amorosos es mejor dejar el asombro en una esquina porque puede funcionar de la manera más inverosímil o sencilla, pero, al fin y al cabo, funcionar, que es lo que le importa a los que están quemándose los pies.

Reynolds Woodcock es un sastre de alta costura inglesa en los años 50 del pasado siglo. Dirige una pequeña casa donde se hacen a mano obras de arte personalizadas para la nobleza europea según el momento o el capricho. El funcionamiento de su taller se asemeja a una sala de operaciones de un hospital militar. Su hermana Cyril viene a ser el lugarteniente que lo acompaña en el mando, esperando y respetando sus decisiones o tomándolas cuando lo ve turbado para hacerlas. La vida de Reynolds está rodeada de mujeres, todas relacionadas con su trabajo, por eso sus amantes van y vienen hasta que aparece Alma, una camarera de un pequeñito restaurante campestre que cumple, para el empuje inicial, con una condición insoportable para Reynolds: tiene las medidas físicas de su maniquí ideal.

Y se la lleva a casa, la acomoda y utiliza e inevitablemente se involucran pero si perfectos son sus diseños, imperfecta es ella, llena de ingenuidad y desafiante irreverencia. Tiene los justos centímetros pero no puede evitar ser lo que es, una campesina –fina, sí, pero campesina aún- y sus modales son para Reynolds como una estampida de elefantes en su marcial rutina. Cuando Alma trata de ser amable y marcar pautas personales que la diferencien del resto de la corte femenil, lo que recibe es la testarudez y lo irascible por respuesta. Es metódico el oficio de Reynolds por lo tanto metódica es su vida y no sabe –sencillamente, no sabe- amar su trabajo y también a una mujer. Los propósitos quedan truncos o visto de otro modo: toman inesperados derroteros. De la venganza, el rencor o lo pasional aparece la solución al amor. A ellos dos, que no pueden dejar de ser lo que son, los toma por sorpresa el giro de la vida pero luego de descubrirlo se lanzan de cabeza porque es lo que quieren, no importa ya que sentimientos turbios hicieron aflorar un feliz desenlace. Un romance es parte de la vida y la vida es como es, no como debiera ser.

El amor se vive y disfruta sin fórmulas y atañe solo a los involucrados que deben definir y aceptar los términos sabiendo que la comprensión de los mismos por terceros no es precisamente lo que va  salvarlos. Andando en él no es difícil encontrar una montaña al lado de un abismo y si supiéramos dónde está la puntada quizás lo entenderíamos o quedaríamos más que confundidos. Este insoportable sentimiento no sobrevive complaciendo a otros sino reconociéndose a sí mismo a cara descubierta y apostando doble o nada. Phantom Thread es la reafirmación de ese misterio.

Phantom Thread – 2017 – Estados Unidos

Dirección y guión: Paul Thomas Anderson

Protagónicos: Daniel Day-Lewis – Reynolds Woodcock

Vicky Krieps – Alma Elson

Lesley Manville – Cyril Woodcock

Camilla Rutherford – Johanna

Gina McKee – Countess Henrietta Harding

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Residεntә: lo que no es igual, sobresale

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René Pérez Joglar es un hombre polémico e impulsivo pero también honesto en el que se ha visto un crecimiento en la apropiación del compromiso artístico. Los seres mediáticos suelen ser blanco de las críticas de quienes tienen actitudes similares o peores pero de mucha menos visibilidad. El verdadero creador tiene que aceptar esas reglas y actuar en consecuencia, sabiendo que impactará en las masas de una u otra manera. Decidir el modo de expandir el mensaje y sobre todo de qué material va a estar hecho se convierte en una responsabilidad y no en un modo de vida.

Residente siguió adelante al cerrarse Calle 13 con una visión muy definida en su disco homónimo, lanzado en 2017 y primero sin la agrupación estrella de la que hasta ese momento había formado parte. Pretendía satisfacer su deseo de hacer música en distintas partes del mundo con músicos tradicionales, portadores de la esencia originaria, esa que está fuera del enlatado circuito comercial.

Recurrió al resultado de su propio test de ADN y eligió como destino aquellos lugares de los que menos esperaba llevar genes en la sangre. Afortunadamente, cargó con cámaras y se filmó toda la trayectoria. Existía una referencia anterior a este tipo de experiencia en Sin mapa, un material producido por Calle 13 en el 2009 que mostraba una búsqueda a través de algunas zonas de centro y sur de América Latina. Residεntә mantiene esa característica pero esta vez el intercambio no es solo con gente común sino con músicos que hacen folklore y se refleja expresamente el particular momento creativo en cada punto geográfico y cultural visitado.

El camino de René es largo, lo lleva a Tuvá, Moscú, Osetia, Georgia, Armenia, China, España, Inglaterra, Burkina Faso, Niger, y Ghana para terminar en el Caribe y la preciosa Puerto Rico. Durante el viaje lo van invadiendo los temas: la naturaleza, la vida, la guerra, la muerte, el terror, el apocalipsis climático y social, la rebeldía, la fiesta, los niños y la raíz. Vivir los instantes reales en que la idea y el sueño se convierten en una canción bajo la manifiesta intención de compartirlo hace del disfrute visual algo natural y pleno. No duda en incluir momentos de turbulencia interior, como cuando encarga un arreglo a la Sinfónica de Moscú sobre la guerra en el Cáucaso y luego decide por una opción más personal y cercana a la zona de conflicto o cuando no lo llena del todo el órgano del Palau de la Música Catalana de Barcelona y se da el brinquito perfeccionista hasta la Iglesia del Temple en Londres.

Es palpable a lo largo del material el cambio de perspectiva que ha provocado en Residente el haberse convertido en padre, al nacerle Milo de su unión con la actriz y modelo argentina Soledad Fandiño. La infancia está marcando pautas durante toda la presentación, con niños introduciendo en varias ocasiones los nuevos escenarios. Hay un solo narrador en todo momento, él mismo René contando sus razones y sentimientos, siempre en inglés a pesar de ser un hispanohablante, pero cuando la emoción toca fuerte es imposible expresarse en otro idioma que no sea el que te corre natural y eso le pasa, precisamente, cuando una madre le muestra la foto de sus hijos asesinados por terroristas en una escuelita de Osetia del Norte y le llega a esa parte que se le transforma a los hombres cuando son padres. A pesar de esta nota, la parte esperanzadora la van regando los infantes a lo largo de todo lo que vemos, presentes por el momento espiritual que vive el músico del que no puede desligarse.

Nuestro poeta nacional, Nicolás Guilllén, recomendaba a los artistas ser lo más cubano posible para ser, realmente, universales. Aunque el destino final es su  Borinquen e Hijos del cañaveral la impresión emocional no es que la obra se retrae sino que a partir de la islita es que todo lo que hasta ahí hemos visto despega y se redimensiona. The Rolling Stones incluyó al disco entre los mejores 50 del 2017 y es el único en español en esa cuenta. El documental que lo acompaña es igual de valioso y revelador. Si Residente era el alma de Calle 13, ahora en solitario –pero no a solas- como que deja ver más clara la de sí mismo multiplicado.

Residεntә – 2017 – Estados Unidos

Dirección: René Pérez Joglar Residente

Guión: René Pérez Joglar Residente y Marc de Beaufort

Con participación de: René Pérez Joglar Residente, Aidysmma Koshkendey, Igor Koshkendey, Rafa Arcaute, Aldar Tamdyn, Orquesta Sinfónica de Moscú, Nadezhda Guriyeva, Aznash Ensemble, Rusudan Pareulidze, Darejan Margoshvili, Elenya Ganiva, David Vardanyan, Nato Mutoshvili, Irakli Akhalaia, Manana Alkhanashvili, Alex Berdz, Pan Xiaojia, Li Meng Xion, Jin Jiujie, Duan Ya Wen, Juan de la Rubia, Roger Sayer, Basibri Ilboudo, Bombino, Dela Botri, Haruna Fati, Nyornuwofia Agrosor, Lin Manuel Miranda, Ricardo Roselló, Heriberto Marín Torres, Rafael Cancel Miranda entre otros.

Spielberg: Steven parece alguien que trabaja para Steven Spielberg

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En la década de los 70 del siglo pasado un grupo de realizadores empezó a revolucionar la industria del cine estadounidense sentando las bases de lo que serían posteriormente las megaproducciones comerciales. No hubiesen podido hacerlo, obviamente, careciendo de talento. Enfrentaban entre sí las ideas concretadas o todavía en el aire pretendiendo superarse o asombrarse, esperando y disparando críticas, muchas veces sarcásticas a pesar de constructivas. Así fue como Francis Ford Coppola, Brian de Palma, Martin Scorsese y George Lucas crearon El Padrino, Apocalypse Now, Sisters, Carrie, Alice Doesn’t Live Here Anymore, Taxi Driver y Star Wars. Este grupo lo completaba un quinto elemento que era el más joven de ellos y terminaría siendo con el transcurso de los años uno de los directores más famosos de todos los tiempos: Steven Spielberg. En 1968 gana el premio al mejor cortometraje en el Festival de Atlanta con Amblin’ que llegó a la consideración de Sid Sheimberg, el director de la sección televisiva de la Universal. “He visto tu película y está muy bien hecha. Te ofrezco un contrato de siete años en Universal para hacer televisión. Si firmas con nosotros, te apoyaré incondicionalmente tanto en los éxitos como en los fracasos.” Así lo cuenta el propio Spielberg en el documental homónimo para la HBO del año 2017 dirigido por Susan Lacy –American Masters-.

Con un inicio no cronológico, el genio empieza hablando de Jaws y el impacto que significó para él y para Hollywood. Le habían dado 55 días y un presupuesto de 3,5 millones que se convirtieron en 9 millones y 159 días de filmación. Los inconvenientes fueron muchos por subestimar el trabajo en el mar y por no cerrar nunca un guión que se escribía siempre el día anterior. Aun así, la Universal invirtió 1,8 millones en una campaña publicitaria sin precedentes. Por primera vez una producción salía al mercado con tantos objetos asociados: un disco de la banda sonora, la novela en que estuvo inspirada, juguetes, carteles, toallas playeras, camisetas, disfraces… toda una diversidad de productos comerciales. El éxito fue total.  Jaws recuperó su inversión en dos semanas y en menos de tres meses superó a El padrino como la más taquillera de la historia en Estados Unidos. Contando sus reestrenos en 1976 y 1979, sobrepasó los 130 millones de dólares. “Ese éxito me cambió la vida, me dio autoridad. Me permitió elegir las películas que quería dirigir, así que Jaws me dio acceso libre a mi futuro.” Es lógico entonces que empezara el recuento por ahí.

Luego, de manera más general, va pasando por hitos de su filmografía y lo que significaron cada uno de ellos. Después de Jaws, tuvo que probar que no había tocado la flauta de casualidad nada menos que con su primer guión propio: Close Encounters of the Third Kind. Detrás de dos grandes éxitos consecutivos, pensando que era capaz de cualquier cosa, se lanzó a la comedia con 1941 y fracasó estrepitosamente pero su amigo George Lucas lo sacó del mal paso con The Raiders of the Lost Ark y la aparición del particular Indiana Jones; llegó E.T. y su empatía con Elliot que no se destiñe a más de 45 años de realizado; vinieron la madurez de The Color Purple, el doloroso estreno de Christian Bale con 13 años en The Empire of the Sun, el coraje de dirigir en Auschwitz, los asombrosos dinosaurios de The Lost World: Jurasic Park, su segundo merecido Oscar al mejor director por Saving Private Ryan y su evolución a temas más oscuros y desafiantes entrando en el siglo XXI con Minority Report, War of the Worlds o Munich.

Steven Sepielberg sabe hacer un cine entretenido que en determinado momento tiene ese retoque emocional empalagoso y facilista enfocado en tocar las fibras de la mayoría pero nadie puede negar su atrevimiento para crear o caer sin dejar nunca de intentarlo de nuevo. Los grandes destellos de su filmografía reflejan lo amplio de su abanico e intención: Jaws es un thriller casi hitchcockniano, ET. the Extra-terrestrial un clásico de la ciencia ficción y la ternura –sí, ese sentimentalismo- y The Schindler’s List es crudo y realista, no por gusto, su único Oscar a la mejor película.

Susan Lacy le realizó 17 entrevistas que luego condensó en casi dos horas y media. Incluye además más de 60 intervenciones de directores, actores y actrices, críticos, amigos y familiares que lo caracterizan en detalle. Hace un recorrido por los aspectos más relevantes de su amplio expediente y se detiene agradablemente en los comentarios que hacen los que trabajaron con él a cada momento. La joya de su documental son las revelaciones personales que vinculan sus creaciones con etapas de su vida que lo marcaron profundamente, esa marca llegó a su obra e, inevitablemente, hasta nosotros. Spielberg  demuestra que no se ha vuelto soberbio con el éxito contando sus dramas familiares, su tormentosa relación con su padre, su trauma infantil por el divorcio de sus progenitores, su rechazo al judaísmo y su reencuentro con la religión, detalles que lo hacen humano y cercano si bien es un hombre excepcional con incomparable capacidad generadora que puede hacer lo que hacen pocos: conjugar arte y cine comercial. Y si lo dice Francis Ford Coppola, es porque debe ser verdad.

Spielberg – 2017 – Estados Unidos

Dirección: Susan Lacy

Producción: Susan Lacy, Jessica Levin y Emma Pildes

Compañía productora: HBO Documentary Films y Pentimento Productions

Con declaraciones de: Steven Spielberg, Leonardo DiCaprio, Christian Bale, Tom Hanks, Liam Neeson, Harrison Ford, Cate Blanchett, J.J. Abrams, Daniel Craig, Daniel Day-Lewis, Martin Scorsese, Holly Hunter, Laura Dern, Ralph Fiennes, Drew Barrymore, Dustin Hoffman, Brian De Palma, Richard Dreyfuss, Ben Kingsley, Francis Ford Coppola, Robert Zemeckis, George Lucas, Kathleen Kennedy, Oprah Winfrey, Jeffrey Katzenberg y David Geffen entre otros.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri: como tres en un zapato

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Mildred es un almacén de odio, inconformidad y culpa. No es raro entonces que haya terminado en la estación de policía del pueblecito de Ebbing por cargos en su contra. Le hundió al dentista en su dedo pulgar la fresa con que pensaba trabajarle un diente y todo porque este le dijo que el jefe Willoughby tenía muchos amigos que le apoyaban. Suficiente para que la fiera se desatara. Ahora espera en un cuarto el interrogatorio pero poco le importa, no se va a dejar ganar la batalla que empezó por sus anuncios. Hace un año discutió con su hija porque iba a salir y no quiso prestarle el auto, la joven le dijo que entonces regresaría tarde en la noche y que ojalá la violaran para que Mildred tuviese la culpa sobre sí. Ella le dijo, fatalmente, que ojalá le sucediera. No solo la violaron, sino que la asesinaron y quemaron su cuerpo. Todo eso muy cerca de su casa, al borde de una carretera en desuso después que una autopista facilitara la comunicación con Ebbing. En un año no ha habido un solo arresto y Mildred lo achaca al mal trabajo policial encabezado por el jefe Bill Willoughby.

Precisamente donde ocurrieron los hechos hay tres vallas de publicidad que llevan años vencidas. Mildred decide hacer más visible su disgusto para ver si provoca algún avance al señalar a los oficiales y contrata el alquiler de esos espacios en Ebbing Advertising Company que tiene su local enfrente del departamento de policía. En grandes letras negras sobre fondo rojo usa los tres anuncios para emplazar a la autoridad y se apoya además en la televisión para ampliar el impacto. En un año no había sabido mucho de ellos pero no más hizo esto, se revolvió el avispero.

Sucede que Willoughby es un hombre de honor que sí desea atrapar al asesino pero no tiene nada más que algo de su ADN que ha sido cotejado con la base nacional y no encaja con ningún criminal. No hay testigos del ataque, no vieron a la chica con extraños, no hay huellas de neumáticos ni sospechosos potenciales. Es un caso sin salida del que no hay mucho más que investigar sino esperar a que un descuido del agresor lo delate, algo casi milagroso. Personalmente lo conversa con Mildred que lo sigue acusando de responsable. Hay una nota que hace que el jefe sienta que están siendo injusto con él: aparte de que no hay pistas para seguir, él está muy afectado por cáncer de páncreas que debe empeorar en los próximos meses y no quiere vivir sus últimos días siendo tan cuestionado por algo que también lo agobia por insoluble.

En el pueblo pocos apoyan a Mildred porque respetan a Willoughby, saben que está muriendo y dejará huérfanas a dos niñas pequeñas y viuda a una joven y bella mujer. Dixon, un policía de mala reputación, la emprende con Red Weldy, el dueño de los carteles que hizo el contrato con Mildred y como lo tiene al cruzar la calle, lo irá presionando en ascenso para lograr que rompa el acuerdo. Le hace saber de la enfermedad mortal y choca también con la doña una que otra vez.

En este nivel del diferendo ocurre lo del dentista y quien viene a aclarar lo sucedido con Mildred es precisamente Bill Willoughby para evitar más roce con sus subordinados pero en medio del intercambio de razones escupe sangre y hay que llamar de urgencia a una ambulancia. Antes de subir, ordena que la dejen ir y que se olvide lo del dedo perforado. Él sabe que ella pagó un mes de los carteles y que no tiene presupuesto para sostenerlos por más tiempo ni posibilidad alguna de encontrar en el pueblo contribuyentes a su causa.

Lo que sigue a continuación en Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una interesante escalada que coquetea con la sorpresa, la confusión, la desesperanza y el rencor. Mildred se aferrará a sus anuncios y sus consecuencias. El jefe Willoughby jugará magistralmente sus piezas en el final de partida. Dixon se volverá más agresivo y prepotente hasta que la vida lo pasa por la moledora para rearmarse ganando en relevancia y convirtiéndose en el eje vinculante e incluso regulador de estos dos. Sin llegar a extremos, la película demuestra -o lo intenta o maneja entre otros temas- la vieja lección de que el odio, el rencor y la violencia solo engendran más de lo mismo hasta que no queda nada para nadie y es casi imposible que no caiga algún inocente en el camino.

Hubiese sido un mejor metraje si Dixon no fuese por momentos tan caricaturesco como para perder veracidad, algo que lastima un personaje que detona situaciones claves, aunque a mí no me crean, porque se ganó el Oscar al mejor actor de reparto. Sin dudas, Frances McDormand -que lo partío al de Mejor actriz- y su intratable Mildred se llevan los aplausos pero Peter Dinklage, ese enano fabuloso, vuelve a poner la salsa encarando a todo potencial. A pesar de ser una historia contada con casting recortado, el dinamismo de sus casi dos horas, sus actuaciones decorosas, su guión poco ambicioso pero bien resuelto y su final no panfletario ni definitivo hacen que nos quedemos pensando y esa es una de las cosas que más espero de una película. Los anuncios son tres, las cartas enviadas también son tres y Mildred, Willoughby y Dixon son las tres patas de esta mesa que, aunque imperfecta, no cojea.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri – 2017

Reino Unido – Estados Unidos

Dirección y guión: Martin McDonagh

Protagónicos: Frances McDormand – Mildred Hayes

Woody Harrelson – William ‘Bill’ Willoughby

Sam Rockwell – Jason Dixon

Abbie Cornish – Anne Willoughby

John Hawkes – Charlie Hayes

Peter Dinklage – James

Caleb Landry Jones – Red Welby

Una mujer fantástica: entrando sin pedir permiso

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Llevaban juntos alrededor de un año. Ella se mudaba ya con él y tenían planificada una suerte de luna de miel en las cataratas del Iguazú. En medio de una de las noches previas a la partida, Orlando empieza a sentirse mal y Marina lo ayuda hasta que se percata que hay que acudir a un hospital. En el desespero por irse lo deja solo por un instante y rueda por un tramo de escalera sin grandes consecuencias. Logra subirlo al auto y llevarlo a una clínica cercana donde es atendido inmediatamente pero fallece al poco rato. Son sucesos de poco más de una hora.

Marina está sola. A pesar de que lleva un año con Orlando, no conoce personalmente a nadie de su familia. Llama por teléfono a Gabo, su cuñado, y este le dice que se va a encargar de todo, incluyendo el aviso al resto de sus allegados que se han mantenido lejos de Marina desde que Orlando decidiera terminar su matrimonio y empezar una relación con una mujer veinte años más joven. Esto de por sí, ya deja descolocada a Marina en el lobby de la clínica cuando sabe que vendrán irremisiblemente. Los que no han querido verla ni hablarle, ahora van a aparecer. Ahora que Orlando está muerto y ella está sola. Van a venir los que nunca aceptaron, sobre todas las cosas, que él recomenzara su vida con una transexual.

Lo que sucede después en Una mujer fantástica es previsible. Si hasta aquí ella fue rechazada, lo seguirá siendo cuando ha muerto su pareja y los que no le dirigían la palabra lo harán para recuperar los bienes que el fallecido dejó atrás. Nada de esto se hará, por supuesto, respetando el derecho de Marina a despedir a la persona amada o a vivir su momento de luto de manera tranquila y normal. Entre los reclamos por el auto, el departamento y su lucha por llegar a donde nunca le permiten llegar, apenas tiene tiempo de llorar. La policía, que la misma noche de la muerte la trata como sospechosa y usa para dirigirse a ella el género masculino porque masculino es el nombre en la cédula de identidad aunque delante tiene a alguien que es una mujer; Gabo, que al llegar interviene y se hace cargo, pero usa una excusa discriminatoria y hasta cruel, solo para que Marina se vaya antes que llegue el resto de la tribu; la investigadora que viene a verla y nunca deja de asumir que pasó algo que nunca pasó, solo porque es transexual y más joven que Orlando e innecesariamente llega después hasta el ultraje; el hijo, que se cuela en el departamento al otro día a exigirlo y ni siquiera sabe bien cómo se llama ella. Por encima de todo eso debe pasar Marina, que no es culpable de nada.

El que esta película chilena haya ganado el premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa en la última entrega de estos a los productos de la gran industria de Hollywood le concede un aval hacia nuestra consideración por la lógica fascinación cubana por lo estadounidense que asigna a sus símbolos una certificación de calidad incuestionable. Además, este mes de mayo, en la ya tradicional Jornada cubana contra la homofobia y la transfobia, su actriz principal, Daniela Vega, estuvo en La Habana y Pinar del Río participando de algunas de las actividades que esta vez corrieron bajo el lema Por escuelas libres de homofobia y transfobia. Ella llegaba con el mérito de que la recatada Academia le haya permitido ser la primera persona transexual en presentar un premio en una oscarina gala.

Pero una cosa es la Daniela Vega activista y otra la actriz y otra Una mujer fantástica. A pesar que hay indudables e insoslayables vínculos, la película no es una clase de moralina ética sobre el respeto a los derechos más elementales de la comunidad de lesbianas, gays, bisexuales, trans, inter y quers. De eso trata, obviamente, por el conflicto entre identidad de género y sexual de la protagonista que añade y define pero no lo hace en un tono conferencista. No es una película de ella hacia afuera sino de ella hacia adentro, incluso los momentos en que la narración se vuelve fantasiosa rozando o lanzándose de lleno a lo real maravilloso están vinculados a su mundo introvertido y sentimental. Son de Marina los principales parlamentos, mucha atención a lo que sale de su boca, generalmente en oraciones cortas pero con la contundencia del no al dramatismo y a la excepcionalidad. Añadiría fuera de esto dos elementos significativos: la escena de apenas tres minutos en el medio del metraje con su profesor de canto lírico –casi determinante- y la correcta inserción de You Make Me Feel Like a Natural Woman interpretada por Aretha Franklin acompañando a Marina hacia su primer encuentro con la ex de Orlando que dirá que lo tiene delante es una quimera. Esta es una película sostenida por detalles, como mismo la lluvia lleva su frescura y belleza en la simple caída de sus muchas gotas.

Una mujer fantástica – 2017

 Chile – Alemania – España – Estados Unidos

Dirección: Sebastián Lelio

Guión: Sebastián Lelio – Gonzalo Maza

Protagónicos: Daniela Vega – Marina Vidal

Francisco Reyes – Orlando

Luis Gnecco – Gabo

Aline Küppenheim – Sonia

Amparo Noguera – Antonia

Nicolás Saavedra – Bruno